El objetivo de la Formación de Teatro Corporal es inspirar el camino artístico del practicante, basándonos en la construcción de su identidad escénica a través del trabajo corporal.
La Compañía de Teatro Corporal (#CiadeTeatroCorporal) ofrece las siguientes propuestas pedagógicas en calidad de seminarios intensivos y cursos para la introducción y formación en teatro:
- Teatro Corporal.
- Entrenamiento Físico Actoral
- Clown Entrenamiento.
- Arquetipos Payasos.
- Commedia dell´ Arte y máscaras.
- El Comediante físico.
- DanzaClown.
- Humor Físico (Clown&Mimo).
- Golpes y Caídas (4 Estéticas).
- 4 Elementos: Creacion de personajes.
- Impro Corporal.
- Dramaturgia Corporal.
- Mimo.
Seminarios Especiales
- Biomecánica del Humor
- El Gag
- Los 7 Elementos de la Comedia
- El Clown y sus juguetes.
- El Clown y La Palabra en Movimiento
- Máscaras Primitivas.
- Entrenamiento Animal.
1.INTRODUCCIÓN al TEATRO CORPORAL
Propuesta: Inspirar y Provocar
Recorrido y exploración de los caminos teatrales y creadores de la Formación de Teatro Corporal, basado en Conceptos Corporales y Principios de la Actuación que el estudiante transitará de manera formal y lúdica.
«La actuación es un tema de Permisos»
Objetivo:
Desarrollo desde la conciencia corporal de la Presencia y la Reacción para acceder al juego dramático.
Partiendo de ejercicios simples vamos descubriendo la técnica física que hace a la situación teatral.
2. ENTRENAMIENTO FÍSICO ACTORAL
Espacio de entrenamiento y preparación para la escena adaptable para cada tipo de cuerpo, enfocado en el trabajo para actores y actrices, para entrenar desde los pies a la cabeza.
3. CLOWN ENTRENAMIENTO
El entrenamiento de clown busca como primer objetivo despertar el impulso de juego, y despertar el tipo de pensamiento que acompaña a este. También encontrar en la particularidad de cada interprete lo clownesco que habita en el. Abrirse al absurdo, entrar en el «error» como quien se enchastra en el barro. Encontrarse con el publico para compartirlo y también del publico llenarse, tomar lo que nos da para seguir. Ese encuentro con los demás hace única a esta técnica y nos pone justo en el tiempo presente: aquí y ahora para tomar todo lo que la vida de la escena y la comicidad nos entrega.
Ese tipo de pensamiento absurdo, ese cuerpo entregado al abismo se entrena, ese ida y vuelta se entrena, ese «estar presente» se entrena, ese encuentro con el payaso y la búsqueda de sus colores se entrena.
Para gente con o sin experiencia.
4. ARQUETIPOS PAYASOS
Arquetipo: Forma primera. Arque: principio, origen. Tipo: impresión o modelo; es el patrón ejemplar del cual se derivan otros objetos, ideas, conceptos.
Buscaremos tomar la herencia como influencia para las nuevas creaciones de las/os clowns
teatrales.
En este seminario transitaremos desde lo teórico y lo práctico las formas primeras de los payasos, que servirán de guía y alimento para las y los clowns en sus propuestas escénicas.
Transitaremos 7 Arquetipos, los cuales no solo sirven en la construcción del personaje y su actitud, sino que también proponen sistemas de relación sobre los cuales apoyarse para construir la acción en la escena con otros personajes, objetos, mundo interior y exterior.
No lo pensaremos como un fin sino como un principio. La definición será la consecuencia de la experimentación.
La idea no es hacer una clase de historia sino poner en práctica concreta, para los actores, las características de esos payasos arcaicos (o aquellos que siempre están).
Todas las payasas son desequilibradas y no encajan en la sociedad, cada uno de estos 7 Arquetipos son una propuesta estética, una propuesta de acción frente a la adversidad, una propuesta de relación con los otros y lo otro y una forma original, ridícula y fuera de la norma de pararse en el mundo.
5. COMEDIA DEL ARTE Y MASCARAS
“La evolución en el Camino Actoral”
Presentación
Formación sobre el trabajo de Acceso, Entrenamiento y Puesta de la comedia del arte y mascaras, dirigida a la integración de las características de cada interprete para la composición y creación.
Propuesta
Formar Actores y Actrices en la Técnica, el Oficio y la Filosofía de la Commedia dell´Arte.
Se trabaja sobre las Columnas que propone la Estética de la Commedia, al ser el Abc del teatro occidental, o por lo menos, la primer técnica cifrada de occidente:
- -Entrenamiento Corporal
- -Abordaje y Técnica de Máscaras Enteras y Medias Máscaras
- -Creación de Personajes
- -Estudio del Estilo de la Commedia Tradicional y su Ruptura
- -Técnica de Improvisación
- -La Música y la Actuación
- -La Voz, la Palabra y la Retórica para la Actuación
- -Combate Escénico
- -Dramaturgia y Puesta Actoral
«No buscamos una Forma de Trabajo, nos permitimos encontrar una actitud que nos abra al estado de exploración»
6. EL COMEDIANTE FÍSICO
Para esta propuesta no es necesario ser habilidoso o acróbata sino tener el cuerpo disponible, abrir la escucha y percepción.
La comedia visual tiene al cuerpo del comediante como elemento principal de la escena. A partir de el aparecen una infinidad de historias y situaciones dramáticas. El cuerpo como inicio del relato.
En esta propuesta exploraremos los elementos actorales que hacen a la mecánica de la comedia.
Nos enfocaremos en las posibilidades expresivas y dramáticas que el espacio – cuerpo de cada interprete abre. Sera un recorrido hacia la apertura de la percepción del propio cuerpo y su potencial hacia el género cómico.
Entregaremos el cuerpo al desequilibrio, es allí adonde el humor aparece: Quebrar la línea el equilibrio y el sentido para encontrar el absurdo y el sinsentido.
El cuerpo rompiendo la lógica cotidiana y entrando a la lógica del humor.
7. DANZACLOWN
La danza, el movimiento, el fluir en la búsqueda del payaso.
Las clases de Danzaclown son fundamentalmente dinámicas, esto hace que el encuentro con el payaso sea desde el impulso genuino del cuerpo en movimiento.La técnica de clown es una de las técnicas más complejas y difíciles para el actor, ya que requiere una máxima sinceridad y entrega en escena, una búsqueda muy personal y un manejo de la percepción muy preciso.
El actor clown debe estar conectado además de consigo mismo, con el espacio y el compañero; con quien lo mira: el público.Es una de las técnicas que mas trabaja en acción concreta el “estar presente aquí y ahora” y usa todo lo que ocurra en escena.
Por otro lado la técnica clown requiere por parte del actor una preparación física enorme ya que el cuerpo en ridículo es un cuerpo entregado al vacío y para que el actor verdaderamente maneje el accidente debe tener un cuerpo muy preparado para no lastimarse en serio.
En esto se emparenta con la danza en el trabajo de precisión sobre el cuerpo; pero en lo que la danza y la técnica clown son caminos opuestos es en lo que tiene que ver con la perfección y el absurdo, con el cuerpo ordenado en eje y el cuerpo en desequilibrio o en desorden, lo que es bello o lo que es ridículo. La unión y el choque de ambos conceptos se dan en el seminario de Danzaclown.
La propuesta aporta tanto a bailarines como a actores elementos nuevos que pueden luego probar y aplicar en sus actividades: a los bailarines, les aporta la ruptura de la estructura y a su vez esa posibilidad de estar más presente y usar el “error” o la “sombra” como camino, además de permitirse jugar en el ridículo y encontrar así otro tipo de juego con el movimiento. Además entran en el mundo de las acciones que es otro universo que alimenta el mundo del movimiento.
A los clowns o actores les aporta un trabajo más preciso y consciente del cuerpo, un trabajo también con coreografía, que en general, no es algo a lo que estén acostumbrados. Entran al mundo del movimiento sin preocuparse por el sentido o por generar un problema o conflicto, simplemente moverse, algo que también les propone otro plano de búsqueda para la creación.
Además de la propuesta de las clases, en estos seminarios se da un intercambio activo entre actores, clowns y bailarines y un enriquecimiento mutuo.
En esta técnica el “error” es un regalo que se nos presenta cuando estamos en escena, todo lo que se salga de la regla, de lo que habíamos pensado o del libreto, es una posibilidad, una puerta que se abre.
Tanto para el bailarín como para el actor la técnica clown también le aporta la investigación profunda sobre su singularidad y este camino puede llevarlo a descubrir que tiene de particular y única su presencia en escena; si existe la suficiente entrega para descubrirlo es una herramienta única para el intérprete, un valiosa experiencia de autoconocimiento. Buscaremos por lo tanto en el movimiento particular de cada uno, eso que lo hace único, eso que es la materia para luego crear.
8. HUMOR FÍSICO (Mimo y Clown)
Clown, Mimo, Humorismo, locos, Tontos y Comediantes
Trabajo del Cuerpo Humoristico del Comediante, sus elementos, recursos y su gestualidad.
Destinado a descubrir el humor físico; el léxico de mi cuerpo, y la realización del cuerpo humorístico, basándonos en Técnica de lenguaje y creación corporal como el mimo y el teatro físico y principalmente en la autonomia de la poética Clown.
9. GOLPES Y CAÍDAS: poéticas de la agresividad
«No se trata de una mera transmisión de información, sino el desarrollo de un conocimiento potencial y latente»
10. CUATRO ELEMENTOS: CREACIÓN DE PERSONAJES.
Entrenamiento abordando los Cuatro elementos: tierra, agua, fuego y aire, como punto de partida y base para la creación de personajes.
1) Recorrido por las correspondencias corporales: anclajes en el cuerpo del interprete relacionados a cada elemento.
2) Hacia los personajes: de la calidad de energía a la composición del ser que habita esa calidad.
Combinación de personajes y creación de situaciones: Encontrar a través de entrevistas y improvisaciones Recorrido hacia la situación dramática.
4) Composiciones y combinaciones: Interacción con otros personajes. Creación de materiales.
11. IMPROVISACIÓN CORPORAL
Presentación
Trabajo de exploración escénica sobre la capacidad de crear historias teatrales desde la corporalidad.
La impro corporal es la base para los permisos actorales y creativos, ya que su teatralidad consiste en la comunicación sensible de una particular situación.
En la exploración del lenguaje corporal desarrollaremos el relato escénico a partir de las particularidades del improvisante. El objetivo es expandir su campo actoral desde los sentidos en Máxima Disponibilidad, creando así, historias que germinan como un juego sobre los territorios del movimiento y la interpretación.
Propuesta
El trabajo de exploración apunta a la constitución de un mundo interior grande, libre y ávido habilitado para expresarse creativamente en el espacio. Es un camino lleno de visiones y preguntas sobre un océano de intuiciones e instintos que atravesaremos con una técnica clara y contundente.
La actitud del actor y la actriz deben ser como la de Dioses Hambrientos: expandiéndose sobre todo aquello que perciben, tocan y encuentran. Extremadamente vulnerables y volubles, parecen inamovibles y quietos por su intención constante e irrefrenable de asimilar todo a través de sus dieciocho sentidos, dieciocho sentidos que son caminos sobre los cuales se es parte de la naturaleza de la situación.
12. DRAMATURGIA CORPORAL
Desde la Dramaturgia Corporal al Montaje Escénico
Trabajo sobre la construcción de historias a partir de los medios corporales y exploración espacial para la aplicación y desarrollo de una gramática de puesta y su dramaturgia.
Sobre la propuesta de «El Teatro como Juego» y «Teatro como Fiesta» se exploran montajes de narraciones nacidas de las condiciones corporales para la estructuración del drama.
13. MIMO: LA CREACIÓN Y SU GESTO
“Cuanto más lejos está la creación del centro, más atada está; cuanto más cerca del centro se llega, más cerca de ser libre está.”
Presentación
Camino de entrenamiento y formación sobre la capacidad de asimilación, aprendizaje y disponibilidad del actor Corporal, para la Creación Gestual
Propuesta
Es un curso de MIMO, enfocado a la capacidad de Aprendizaje (asimilación) y Creación (Realización y Manifestación) del explorador de la técnica, no a la simple imitación de formas.
“No somos un instrumento, nuestro instrumento es el misterio creador”
SEMINARIOS ESPECIALES
EL GAG
Seminario intensivo sobre la investigación, estudio y creación del gag en escena.
Dentro de las teorías sobre el nacimiento de lo cómico y de la generación de risa, podemos encontrar diferentes maneras de eyectar al espectador a la hilaridad.
En este seminario intensivo analizaremos y pondremos en práctica diferentes posibilidades de abordar lo cómico. Dentro del estudio de comedia abordaremos el tema central y el más serio del género: cómo ejecutar y crear un gag para hacer reír.
<<El gag es una construcción que devela la personalidad del cómico.>>
Contenido
El gag es un remate cómico que tiene como víctima al comediante y transforma la situación, porque relativiza la realidad reinante.
El sentido del humor es una capacidad relativizadora, creadora de sinestesias que liberan de la materialidad a la víctima y a la realidad toda con un nuevo sentido y una nueva perspectiva que se manifiesta en forma de risa.
El gag es develador de la personalidad del/la comediante, y la personalidad es lo más importante en la comedia, sino es solo mecánica.
LOS SIETE ELEMENTOS DE LA COMEDIA
Seminario intensivo sobre los elementos actorales y dramatúrgicos que potencian las posibilidades del gag y la comedia en escena.
En este seminario intensivo analizaremos y pondremos en práctica siete diferentes posibilidades de abordar los motores cómicos. A partir del tema central y más serio del género que es hacer reír, identificaremos la tesitura y particularidad cómica de los gags que concretan al carácter del personaje cómico y su mundo poético, dándole completitud a su poética y un canal fluido al intérprete.
Los siete elementos de la comedia son los ordenadores dramatúrgicos de una escena cómica completa. Proponen siete aspectos donde implementar el accionar del comediante que permite posibilidades y perspectivas diferentes de un mismo suceso cómico.
En el seminario intensivo de los siete elementos de la comedia abordaremos estos aspectos que permiten al actor/actriz realizar un pívot cómico sin perder la esencia de su propuesta, ramificando el juego sobre lo impensado y absurdo desde la estructura.
«El gag es una construcción que devela la personalidad del cómico. Los siete elementos dan a esa construcción múltiples perspectivas de crecimiento.»
BIOMECÁNICA DEL HUMOR
Presentación:
Biomecánica del Humor es un trabajo intensivo sobre la conciencia corporal para el abordaje de la acción cómica.
Los principios Biomecánicos de V. Meyerhold son la estructura sobre la cual se realizarán las Exploraciones tanto prácticas como analíticas de la Actuación.
Meyerhold en su investigación fundó los principios biomecánicos con el objetivo que sean modelos para el individuo y la sociedad.
Nosotros exploramos los principios biomecánicos con el objetivo de burlarnos del individuo y la sociedad.
La Propuesta:
En «Biomecánica del Humor» nos enfocamos en la célula de la comedia física: La acción incómoda como promotora del juego cómico.
La potencia de una acción incómoda nos habilita al desvío dentro de su carácter de acción necesaria y de calidad de vital, habilitando así al disparate, al absurdo, al grotesco, tanto como a la inocencia y estupidez, con apasionamiento u obsesión justa para el error y accidente. El delirio, la exageración y la locura serán nuestro territorio sobre los cuales los principios biomecánicos nos conducirán materializando una disciplina inspiradora.
Objetivos:
- Conocimiento y exploración de los principios Biomecánicos de Meyerhold para el crecimiento y prosperidad de la disciplina actoral.
- Análisis motriz y accional.
- Potencia y Vitalidad como elemento actoral.
- Concepción y creación de Etudes Cómicos (Estudios).
- Conciencia Sensorial como abordaje para la actuación.
- Desarrollo a través de las Correspondencias dramáticas.
- Inspirar la creatividad corporal y conceptualmente para el desarrollo del juego cómico.
El Clown y La Palabra en Movimiento
Destinado a actores, comediantes y clowns, estudiantes de teatro.
Crear un idioma, transformar un texto, encontrar otros caminos posibles del sonar y del decir.
Buscaremos la ruptura de la lógica, dejar que las palabras se muevan. Romperemos la primera capa de sentido del texto para adentrarnos al absurdo, a lo que se abre más allá de la primera lectura.
EL CLOWN Y SUS JUGUETES
Entrenamiento con el mundo de los objetos (imaginarios y reales) que enriquecen el universo de cada clown. Posibilidades de juego y trabajo creativo a partir de los ellos.
El mundo del payaso está lleno de objetos.
Cuando los objetos cotidianos se convierten en juguetes se abre un universo con nuevas reglas, con otros significados.
Un objeto cotidiano que cambia su valor, un cuerpo objeto, un movimiento mágico de un elemento inanimado, una conversación con los colores las texturas rescatando los otros sentidos que no son la vista, un mecanismo estudiado al punto de poder ser reproducido y bailado en su ritmo, buscaremos todas las posibilidades que puedan abrir un mundo poético adonde el clown encuentre otras formas de relato y de construcción.
Estimularemos la creación de números de clown o momentos escénicos a partir de este entrenamiento.
Entrenamiento Animal
Entrenamiento sobre la motricidad animal para la exploración de dinámicas, estados e impulsos accionales en la actuación
Propuesta
Abordaremos diferentes dos familias del reino animal para la exploración corporal, sonora y dramática donde trabajaremos el personaje, el estado y la acción.
Puntos del trabajo:
- Conciencia Corporal-Sensorial.
- Entrenamiento Animal.
- Estudio de Motricidad y Dinámica del Animal.
- Desarrollo de Personalidad: Reacciones, Impulsos y Pensamiento.
- Soledad, Pares y Manadas.
- Animalidad: Antropofisicación y Texto
MÁSCARAS PRIMITIVAS
Trabajamos sobre despertar la conciencia corporal y el movimiento en los planos óseo y muscular para comprender el drama escénico desde el drama presente en lo primario. Desde allí abordaremos el trabajo de las Máscaras Primitivas progresivamente en soledad, duos y cuartetos.
Puntos de Trabajo:
- Exploración del lenguaje corporal y presencia escénica.
- El Movimiento y la problemática
- Impulso y situación.
- La relación dramática.
- Narración Corporal.
Trabajamos el cuerpo potente y ejecutante, la claridad de las intenciones escénicas y sobre todo la Máxima disponibilidad para la Improvisación desde el impulso básico motor del juego.